MOVIMIENTOS ARTISTICOS QUE IMPACTARON EL DISEÑO 1900- A 1920.
Art Nouveau (Modernismo)
-Aprox. 1890 a 1920.-Es conocido como Art Nouveau en Francia y Bélgica, Modern Style en Inglaterra, Jugendstil en Alemania, Liberty en Italia y Modernismo en Cataluña (aunque pertenecen a la misma denominación de origen, las versiones de Modernismo en cada país alcanzaron algunas sutiles diferencias propias de la región donde estaban ubicados).
-Es una corriente artistica que influyo a la literatura, a la arquitectura y el diseño desde finales de siglo XIX hasta principios del siglo XX.
-Este movimiento es definido como estructural por lo que estuvo mayormente vinculado con la arquitectura y las artes decorativas.
-Tenia como objetivo desarrollar objetos finamente artísticos sin renunciar a la creatividad y basándose en la artesanía.
-Es un movimiento muy creativo y los artistas ponen atención a la linea y la acentuación de las curvas, de elementos espaciales y fantasiosos.
-Había una costante referencia a la vida y la naturaleza. Los materiales eran el hierro, la madera y la cerámica, entre otros.
-La belleza se consideraba esencial tanto en la industria como en la artesanía. Lo artistas exponían sus ideas en revistas hechas por ellos mismos.
-Se dieron muchos gremios, sin embargo fue el Century Guild en 1882 el que se consideró el gremio del siglo. Iniciativa de Arthur Heygate Mackmurdo y Selwyn Image. Este es un taller de interiorismo, en el que los productos se presentan como obras hechas en cooperación. Tenían el objetivo de conseguir que todas las ramas del arte fuesen feudo del artista y no del comerciante. Todos los demás gremios eran siempre conformados por las mismas personas, para defender la estética del producto (en esta época se dice que se da una extraña enfermedad decorativa. Productos todos eran curvilíneos, se percibía dinamismo y movimiento).
Historia:
El Modernismo representara una ruptura con los estilos arbitrarios en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). La estética nueva que se trató de crear se inspiró en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal.
Uno de los objetivos esenciales del modernismo fue hacer desaparecer los límites entre las diferentes artes: el modernismo, dirigido por arquitectos y artistas libres, pretendió una renovación estéticamente consciente del arte, de la decoración, del arte del mueble y de las artes industriales en general. Tiene su punto de partida en el movimiento que, ya a mediados del siglo XIX apareció en Inglaterra con Ruskin y Morris como guías, estos juzgaron que un retorno a las tradiciones artesanas y al ideal de vida medieval era lo único que podía salvar la cultura y el arte del peligro del industrialismo y de las pavorosas aglomeraciones ciudadanas.
Claros y más diáfanos interiores, con muebles muy a menudo pintados de blanco y diseñados mucho más libres y espontáneamente que antes, forman la decoración de las casas modernistas: aparece una abundante ornamentación vegetal que, en muchos puntos, se relaciona con la decoración gótica y la rococó; las líneas se hacen sinuosas y ondulantes. La ornamentación modernista es rica y variada; se basa, principalmente en la decoración en madera mediante relieves y molduras; en las paredes se utilizan estucos, esgrafiados, pinturas o aplicaciones cerámicas; se hace el empleo del hierro forjado, que adopta las más caprichosas formas. La decoración modernista, invadiendo las superficies de las paredes, tiene un cierto parentesco con el rococó.
En España tenemos buenos ejemplos de arquitectura y decoración modernista, sobre todo en Barcelona. Sin embargo, el genio indiscutible de este estilo es el catalán Antonio Gaudí, que por su fantasía extraordinaria, se aparta, en cierto modo, de las direcciones finales del estilo para crear el suyo personal e inconfundible que le ha dado gran fama en el mundo entero: sus obras cumbre son el Palacio Güell y el templo de la Sagrada Familia. Gaudí es el precursor de muchas soluciones arquitectónicas de la segunda mitad del siglo XX. Su máxima aspiración es acercarse a la naturaleza, y por ello, aplica a sus obras, sistemáticamente, una decoración a base de motivos fitomorfos y zoomorfos.
Principales obras y autores:
Ilustración de Aubrey, cartel de Mucha, broche de Fabián Montjoye, escalera de la casa Tassel de Víctor Horta, taburete de Louis Majorelle, lámpara de Tiffany; vajilla de David Haviland.
Paul Poiret, 1923.
El primer edificio que refleja el estilo del Art Nouveau fue esta casa unifamiliar construida en Bruselas por Víctor Horta entre los años 1892-93. Se inserta en un solar estrecho y profundo, entre medianeras ciegas, de manera que recibe luces sólo por los lados. La estructura es metálica, totalmente visible en el interior, y en la fachada en la parte central acristalada.
El alzado principal tiene, como elemento dominante, el bow-window (combinación de cuatro o más marcos de ventanas, que se unen para formar un arco; son como miradores con forma curvilínea). En el primer piso hay una serie de ventanas separadas por pequeñas columnas de piedra y, en el segundo, balcones altos de forjado a forjado, ligeramente retranqueados y protegidos con una barandilla de hierro. En el tercer piso el bow-window se convierte en una terraza. Están presentes en la fachada muchos elementos poco corrientes, como las superficies onduladas, las platabandas metálicas vistas, el curioso diseño de la balaustrada, etc.
Con la Casa Tassel, Horta introdujo el hierro en la vivienda, empleándolo como material de construcción y simultáneamente, para los ornamentos lineales y flexibles; el gran jardín de invierno del piso bajo es sostenido por un esqueleto metálico visto, montantes elegantes soportan la escalera y son típicamente decorativas las barandillas de escalera y balcón.
Suelos, paredes y techos se cubren de “líneas látigo”, también llamadas “líneas Horta”, serpentean, se entrelazan, ondean y ascienden por los montantes del acristalamiento, rodean las patas de los muebles y retornan sobre si. Son en su mayoría motivos vegetales.
El constructivismo
-Es un movimiento cruzado por la ideología
-Al igual que el modernismo, este movimiento influencia las artes plasticas y la arquitectura, encontrándose también presencia en un nuevo formato como el cine.
-El constructivismo tuvo presencia en distintos países pero es en Rusia y Alemania donde mas se desarrolla.
-Tal vez una de las características fundamentales es que se diferencia del arte "puro" por tener una clara vocación de representar las obras sociales con una carga ideologica.
-En el ambito del diseñador Alexander Rodchenko es uno de sus máximos exponentes, sobre todo en el desarrollo del cartel de propaganda.
-Dio al arte un carácter de denuncia social. Los artistas se oponían al viejo orden y al arte visual conservados.
-El arte al servicio de las necesidades y utilidades de la sociedad (Malevich, Vassily y Kandinsky).
-1921 Totin y Dorchenlo y otros 25r artistas renuncian al "arte por arte" para consgrarse al diseño industrial, la comunicación visual y artes aplicadas a la nueva sociedad comunista.
-Desarollo un estilo de agitación" de la composición, marcado por las diagonales, fotomontajes y colores primarios.
-Su estilo se basa en líneas puras y formas geométricas.
-En su elaboración emplean materiales simples.
-Los representantes no ven sus obras como arte, ni pretenden que éstas reciban ese título.
-Le dan relevancia a la técnica con la que se va elaborar el producto y el proceso que éste
lleva.
-La funcionalidad debía de ser aplicada porque se creía importante que el arte debía de ser algo
para que la gente lo entendiera y con diferentes tipos de utilidades.
Otros artistas de la corriente son El Lissizky, Rodchenko y Stepanova.
Art Deco
-A partir de 1920 hasta 1939
-Un estilo internacional
-Este lenguaje cientifico del diseño fue popularizado en un nuevo movimiento decorativo internacional llamado "Art Deco". En este estilo la maquina, la energía y la velocidad se convirtieron en los temas primarios. Las formas fueron simplificadas y aerodinamizadas, y los tipos de letras curvados fueron substituidos por los lisos, angulares.
-Demostro un variedad amplia de influencias gráficas, de los movimientos modernos del artes del cubismo, de futurismo y de dada; a los avances del diseño de la secesión de viena, de Plakatstil, y del Constructivismo ruso; al arte exótico de Persia, de Egipto, y de Africa.
-El termino "ArtDeco" se deriva de la exposición de "Artes decorativas" de 1925 en Paris, que demostró ser un ecaparate espectacular para el estilo.
-El ArtDeco, como el Art Nouveau antes de el, se extiende rapidamente a traves de Europa.
-Son representantes de este movimiento los artistas Federico Seneca y Giuseppe Riccobaldi en Italia, Ludwig Hohlwein en Alemania, Pieter Hofman en Holanda, Otto Morach y Hbert Matter en Suiza, E. Mcknight Kauffer en Inglaterra, y Francisco Gali en España.
-Algunos teóricos del arte señalan el hundimiento del Titanic como el fin del ArtDeco, al acabarse la supremacia de las maquinas.
- Influyó las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.
El pop Art
-Obra de arte como objeto de consumo.
- Aplicar elementos e iconos de la sociedad de la comunicación de masas en el arte visual es la esencia del movimiento conocido como Pop Art.
-Surge en Estados Unidos y el Reino Unido a fines de la década del 50.
-Al subrayar el uso de los iconos de la sociedad de consumo, los artistas emplean imágenes populares.
-El arte pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda, y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie.
- En este tipo de cultura también el ate deja de ser único y se convierte en un objeto mas de consumo.
- Los origenes de este moviemiento se encuentran en el dadaísmo y utiliza el collage y el fotomontaje.
-Se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine.
Dadaismo
-El movimiento Dada surgió a la vez en Suiza y Estados Unidos en 1916. Desde Zurich se expandió hacia Alemania y hacia Francia. En París es ya el movimiento de moda en 1923.
-El movimiento Dada tiene la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra otra escuela anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera Guerra.
-El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte.
-Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía.
-Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
-Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos.
-Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales.
-Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.
Cubismo
-El cubismo es una escuela y teoría estética de las artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la utilización de las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos.
-El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914.
-El término cubismo proviene del vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Louis Vauxcelles.
-Este especialista hacía referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de artistas como Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros exponentes del cubismo.
-A partir de esta escuela estética se desarrollaron otras vanguardias europeas que revolucionaron el panorama artístico del siglo XX.
-El cubismo está considerado como una vanguardia pionera ya que se encargó de romper con la perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a comienzos de siglo.
-Los cubistas buscaban descomponer las formas naturales y presentarlas mediante figuras geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas.
-Se utilizaron colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en la primera época del movimiento. Con el tiempo, los cubistas comenzaron a incorporar colores más vivos.
Fauvismo
-El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.
-El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.
-Se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento.
-Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores.
-El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos.
-El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.
-Gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.
-Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.
Expresionanismo:
-Busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
-El siglo XX llegó acompañado de un gran número de inventos en el ámbito técnico e industrial así como de nuevos conocimientos decisivos en las ciencias humanísticas y naturales. La teoría de la relatividad de Einstein, el psicoanálisis de Freud, el descubrimiento de los rayos x o bien la primera fisión nuclear, obligaron al hombre a pensar de una forma diferente, más abstracta. Los nuevos conocimientos pusieron de manifiesto que detrás de la realidad se esconde mucho más de lo que puede percibirse mediante el sentido de la vista (una clara ruptura con los preceptos impresionistas)
-Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento.
-La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano.
-La angustia existencial es el principal motor de su estética.
-El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas.
-Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.
-La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos.
Futurismo
-El futurismo comenzó en Italia en 1909.
-Su preocupación estética primordial era la expresión del movimiento. Pero también promovió la preocupación por la ética y la política -un odio a la tradición, una lucha en la modernidad y la ciencia, un ferviente patriotismo, la creencia en el poder de la guerra para purificar-; se trataba, en suma, de un anticipo del fascismo.
-En sus pinturas aparece constantemente la idea de progreso industrial: la ciudad en pleno crecimiento, construcciones, máquinas en movimiento. Lo que les interesa es la expansión, el crecimiento, los movimientos, no sólo de los objetos, sino también de las ciudades.
-La pintura futurista asumió el lenguaje cristalino del Cubismo analítico y las dotes puntillistas del Neo-Impresionismo.
-Al igual que el Cubismo, introdujo en la pintura una serie de sensaciones separadas. Pero mientras que en el cubismo las sensaciones eran diferentes aspectos de un objeto estático visto con algo de movimiento, en el futurismo el espectador permanece estático y el objeto adquiere movimiento. El "perro de Balla", con diferentes rabos, es ejemplo de esta idea.
-El Russolo ejemplifica un concepto del futurismo menos literal, el de "la fuerza en las líneas" como diagramas de energía.
-Las pinturas futuristas se parecen a fotografías consecutivas cuyas diferentes imágenes se han superpuesto.
ABSTRACIÓN GEOMÉTRICA
-Alrededor de 1911-12, artistas de varios países empezaron a hacer pinturas y esculturas no figurativas de formas geométricas. Este interés por las posibilidades de los círculos y rectángulos, líneas rectas y arcos confirmaba un creciente auge del Cubismo.
-Braque y Picasso creían que la pintura estaba incompleta si no hacía referencia al mundo de los objetos.
-París contribuyó a la temprana Abstracción Geométrica con el trabajo del orfista Delanuy y de Czech Kupka.
-Sus formas eran significativamente más libres que las rigurosas abstracciones producidas primero en Rusia y más tarde en Holanda. El Suprematismo de Malevich era místico en su contenido; por el contrario, el Constructivismo de Tatling sugería una religión de la técnica. Tatling y sus seguidores hicieron sus construcciones tridimensionales combinando metal, vidrio o madera. Su construcción más ambiciosa fue un proyecto para un monumento público. Iba a ser una estructura de acero con, aproximadamente, 1.300 pies de altura y partes de ella rotaban a diferentes velocidades. El Abstraccionismo Ruso dio la bienvenida a la revolución: La revolución fu su primer alidao pero pronto lo rechazaron.
-La Abstracción Geométrica ha tendido a soñar con un entorno utópico para el hombre moderno creado a la imagen de su arte.
-Los exponentes franceses de la pintura de Abstracción Geométrica surgen entre las guerras mundiales, como Herbin y Hélion, eran menos rigurosos en su aproximación que Mondrian, Malevich o Albers, y tendín hacia una mayor complejidad de los diseños.
Las esculturas de Pevsner y Max Bill se relacionan directamente con modelos matemáticos. Barbara Hepworth, era más biomórfica en su concepción: reflejaba la conciencia de tales modelos.
Arte Naif
-1900-1937
-Se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la perspectiva acientífica captada por intuición. --En muchos aspectos, recuerda (o se inspira en) el arte infantil, muchas veces ajeno al aprendizaje académico.
-El arte Naif es aquel que desarrollaron un grupo de artistas al que denominaron naifs o aficionados por el hecho de no dedicarse la pintura como actividad principal, sino al margen de sus respectivas ocupaciones profesionales.
-El auto didactismo que practican la mayoría deriva del deseo de huir del academicismo para conseguir unas manifestaciones artísticas menos contaminadas por los convencionalismos.
-Se le ha calificado también de ingenuo.
-Búsqueda de la simplicidad para ofrecer así una visión del mundo sincera y exenta de artificios.
-Su particular idea de concebir el arte, no como algo reflexivo y trascendente, sino como reflejo de la tranquilidad y despreocupación interior.
-Ha hecho que sus obras muestren como rasgo principal el ambiente completamente sereno y despreocupado que otorgan a la existencia.
-Las principales características del arte naif son: contornos definidos con mucha precisión, falta de perspectiva, sensación volumétrica conseguida por medio de un extraordinario colorido, pintura detallista y minuciosa y gran potencia expresiva, aunque el dibujo puede ser incorrecto.
Biblliografia http://definicion.de/cubismo/
http://html.rincondelvago.com/movimientos-artisticos-del-siglo-xx.html
http://culturamaterialye.blogspot.com.co/2011/11/art-nouveau-modernismo.html
http://www.arteespana.com/artenaif.htm
http://es.slideshare.net/PERCY77/breve-historia-del-diseo
http://www.arteespana.com/fauvismo.htm
https://fauvismosigloxx.wordpress.com
http://www.arteespana.com/expresionismo.htm
http://html.rincondelvago.com/movimientos-artisticos-del-siglo-xx.html
http://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/solo_texto.htm
http://www.arteespana.com/artenaif.htm
Movimientos artísticos de 1920 a 1950
Nueva objetividad (1920 - 1933)
Surge en Alemania hacia 1922. Este movimiento estaba en contra del arte subjetivo y emocional de los expresionistas de los años 20. Los artistas de este grupo optaron por la neutralidad de la expresión, en oposición al Fauvismo y al Impresionismo, y defendían un arte en el que la creación artística se identificaba con el oficio.
"Neue Sachlichkeit" (nueva objetividad) fue el nombre dado por el crítico G. F. Hartlaub para designar a un movimiento que recuperaba elementos del expresionismo alemán inicial pero con un marcado carácter crítico. La principal exposición de este movimiento tuvo lugar en Manheim en el año 1925.
El crítico Franz Roh utilizó la denominación de realismo mágico para definir a este movimiento debido al carácter chocante o agresivo de su lenguaje realista.
Características:
- Rechazo del planteamiento sensorial y subjetivo del cubismo, del futurismo y del expresionismo, buscando la vuelta a los lenguajes objetivos del realismo.
- Figuración de carácter crítico-satírico tratada de manera agresiva y ácida mediante un dibujo caricaturesco de gran libertad expresiva.
- Representación ambivalente de la realidad: ausencia de emoción en la representación, casi superficial, pero al mismo tiempo tratada con una perspectiva socialmente comprometida.
- Gran nitidez visual con contornos bien marcados y trazos ágiles y vigorosos.
- Temática de denuncia social, próxima a lo vulgar, que resalta los aspectos más sórdidos de la realidad: corrupción, víctimas de la guerra, desumanización de la vida, escenas de gran ciudad con figuras perdidas entre edificios o inmersas en ambientes industriales, transfondos de miseria, prostitución, etc.
- Equiparación plástica de personas y objetos que son representados de manera rígida, mecánica, grotesca y desindividualizada.
- Composiciones rígidamente estructuradas, generalmente de cualidad narrativa.
- Colores fuertes, generalmente contrastados con negro (Beckmann).
Influencias:
Del realismo de la antigua pintura alemana y de la gran libertad grafico-plástica del expresionismo inicial que es llevada hasta sus máximas consecuencias.
Artistas:
George Grosz (1893-1959), Otto Dix (1891-1968), Max Beckmann (1884-1950), Rudolf Schlicher (1890-1955), Oscar Kokoschka (1886-1980), Ernst Barlach (1870-1938), Christian Schad (1894-1982) y Conrad Felixmüller (1897-1977).
S 285
Este escritorio de tubo de acero es un logrado ejemplo del deseo de la Bauhaus de convertir el arte y la técnica en una unidad formal. En el S 285 se integran armónicamente el tablero de la mesa y los elementos para guardar objetos en madera lacada o teñida. El bastidor portante está formado por una única línea y los elementos de madera parecen flotar en ella.
Este mueble sencillo y formal en sus proporciones representa un periodo muy significativo de la historia contemporánea conocido como “la Nueva Objetividad”.
El escritorio se fabrica con bastidor de tubo de acero cromado y cuerpo en fresno teñido o lacado a poro abierto en diferentes tonalidades. Los cajones tienen cierre centralizado y se puede suministrar con estantes abiertos.
SILLA WASSILY
Esta silla ha sido diseñada en el año 1925 por Marcel Breuer.
El diseño de la silla fue especialmente revolucionario para la época, por su uso de tubos de acero y su método de fabricación. La estructura original era de acero niquelado, posteriormente cromado, y doblado. El asiento y el respaldo son de cuero, lona o tela.
CENICERO BAUHAUS
Este cenicero data de 1924 diseñado por Marianne Brandt, diseñadora de la escuela de La Bauhaus. El material utilizado para fabricar esta pieza es latón en parte niquelado.Sus formas son simples ya que utiliza una semiesfera para el cuerpo del cenicero y un triangulo equilátero para que sirva de apoyo para el cigarro. Es sútil a la vez que eficaz con el sistema de sujección basado en unos lisoportescolocados perpendicularmente en la base de la esfera.
Este objeto se centra en los principios de La Bauhaus utilizando formas sencillas y materiales no muy costosos, para que sus diseños estén disponibles a todos los niveles socioeconómicos.
Surrealismo (1924 - 1966)
Es un movimiento literario y artístico que busca trascender lo real a partir del impulso
psíquico de lo imaginario y lo irracional.
Los surrealistas persiguen la verdad mediante escrituras automáticas donde se omiten las correcciones racionales. Los escritos surrealistas se basan en la utilización de imágenes para la expresión de emociones.
Características:
-El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
-Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está detrás del mundo real.
-Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía oculto.
-El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
-Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.
-La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.
-El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos de la sociedad.
-Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.
PRINCIPALES REPRESENTANTES
-Salvador Dali -Max Ernst -Vladimir Kush -Jacek Jerka -Lina Cortes (artista recomendado)
-Marcel Duchamp
LA FUENTE
Con esta obra, Duchamp inició una auténtica revolución en el mundo del arte (introduciendo el vanguardismo) al demostrar que cualquier objeto mundano podía considerarse una obra de arte con tal de que el artista lo quitara de su contexto original (en este caso, un baño) y lo situara en un nuevo contexto adecuado -una galería o un museo- y la declarara como tal.
Racionalismo (1925 - 1940)
El racionalismo es un movimiento que tiene a la razón como pilar y sostén. Esta filosofía, surgida en el siglo XVII y con manifestaciones en diversas ramas del arte, sostiene que el raciocinio es la principal herramienta para generar saber, dejando a la percepción y la experiencia en un segundo plano.
-Consideración de la razón como la única fuente válida de conoci-
miento. Entre los racionalistas se produce una tendencia a rechazar el criterio de autoridad y a defender la autosuficiencia de la razón. La confianza en la capacidad de la razón es tal que sus criterios se aceptan sin crítica alguna. -Infravaloración del conocimiento sensible. Para los racionalistas los sentidos son engañosos. El conocimiento sensible no puede fundamentar, pues, un conocimiento umversalmente válido, es decir, un conocimiento científico. -Afirmación de que el conocimiento puede ser construido deductivamente a partir de unos primeros principios. -Afirmación de la existencia de las ideas innatas, verdades fundamentales que se hallan potencialmente en el entendimiento, que surgen gracias a determinadas experiencias y a partir de las cuales la razón obtiene todas las demás verdades por deducción.
Representantes:
-Rene Descartes
-Gottfried Wilhelm Leibniz
-Spinoza
Peter Behrens (Pintor, diseñador, arquitecto)
Es quien expresa mejor los postulados de la Werkbund
1898 a 1904 fue miembro de la Colonia de Artistas de Darmstadt,1903 a 1907 dirige la Escuela de Artes Aplicadas de Düseldorf1907 a 1914 perteneció al consejo artístico de la AEG en Berlín.
Copa de vidrio soplado
Piezas de cerámicas
Hervidor 1910
Expresionismo abstracto (h. 1944 - 1964)
El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial.
Características:
Este movimiento se caracteriza principalmente porque no aceptan las formas, lo opuesto al arte abstracto es lo figurativo, a su vez estas pinturas eran plasmadas en lienzos grandes y eran pintados al óleo. Los colores utilizados eran el negro o el blanco combinados con los colores primarios como el amarillo, el azul y el rojo. Estas pinturas tenían una profundidad en cuanto a que no tenían un límite dentro del cuadro del lienzo, la pintura era un todo dentro del mismo, se dicen que los cuadros de esta época reflejaban el período que estaba viviendo la sociedad. Los colores opacos y los trazos fuertes querían significar la angustia y la crisis que sentían las personas debido al momento que estaban atravesando, ya que este movimiento surge después del crack de 1929 y se extiende después de la Segunda Guerra Mundial.
Autores destacados:
FAP (Federal Arts Proyect) y la WPA (Works Progress Administration), estos lugares dieron origen a pintores abstractos. Existieron también museos y galerías de arte que promovieron la exposición de cuadros expresionistas, como por ejemplo las obras de Jackson Pollock o Mark Rothko.
Arte marginal / Art brut (a partir de 1945)
Surge en Francia mediado de los años cuarenta de la mano de Jean Dubuffet. Esta dentro del informalismo, pudiendo clasificarse como una fusión de estética neofigurativa (neo figuración) y de pintura materica.
Dubuffet definió el ¨Art Brut¨ como: ¨toda clase de producciones que presentan un carácter espontaneo y fuertemente imaginativo¨ (en francés, ‘arte en bruto’), término fijado por el pintor vanguardista francés Jean Dubuffet para designar el arte creado por personas que son ajenas a las formas de expresión artística y a los valores culturales tradicionales y que pintan espontáneamente para satisfacer una necesidad interior.
El concepto del arte popular, imposible de fechar, surgió de la noción del «pueblo», la misma que aparece en la Revolución. Los creadores del Art Brut son, sobre todo, niños, gente con graves desequilibrios mentales, presos o marginados sociales.
Este tipo de arte puede ser poco sofisticado, considerado en términos artísticos convencionales, pero atrajo la atención de Dubuffet por su pureza, originalidad y por estar libre de ataduras culturales. Se diferencia del arte naïf en que éste está realizado de cara a un reconocimiento público, mientras que el impulso que hay tras el Art Brut es de carácter totalmente íntimo. La creatividad del arte bruto o «arte fuera de las normas» halla su inspiración en este mismo abordaje del arte popular.
INFLUENCIAS
– Las creaciones plásticas de los niños, enfermos mentales y gente marginada.
– También influencia de Jean Fautrier (pintura materica), del dadaismo y de Paul Klee (abstraccion).
Jean Dubuffet, artista francés que rechazó la abstracción y apostó por el arte figurativo primitivista tratando de recuperar el valor expresivo de la pintura de los niños y locos. En sus obras experimenta con diversos materiales encolados: tierra, serrín, hojas…
Jean Dubuffet es el padre del “Arte Brut” que se acerca a los instintos, pasiones, deseos, violencia y delirios del hombre salvaje. Las reminiscencias de nuestros impulsos más primitivos ajenos a la lógica y a la razón se reflejan en sus “collages” terrosos (pintura matérica) formados por rascaduras e incisiones en la superficie. La pintura de Dubuffetsupone un brusco flash-back temporal para nuestros sentidos.
Desde mediados del siglo XX, el arte marginal – art brut y outsider art – sirvió a aquellos artistas al margen de la sociedad para expresar sus inquietudes y sentimientos.
El influjo de estos artistas marginales (excéntricos) en los artistas profesionales fue intenso en algunos de ellos y de la talla de Paul Klee, Miró, Schiele, Tàpies…
El interés por el arte marginal vino de la mano de la psiquiatría en un intento de comprender los misterios de la mente humana (el subconsiente). La espontaneidad de lo marginal resultaba atrayente.
Algunos artistas interesados en el art Brut a lo largo del siglo pasado han sido:
* Pearl Alcock, Paul Klee, Oskar Kokoschka, Vassily Kandisky, Antoni Tàpies, Henri Rousseau…
Algunos de los temas tratados en las obras de los artistas marginales se refieren a:
– Paisajes imaginarios (bosques animados), ciudades fantásticas, sueños fantásticos, cuentos obsesivos, el cuerpo y el erotismo, rostros y máscaras, lenguas sorprendentes, el universo y la naturaleza enigmática.
CARACTERISTICAS
– Rechazo de lo bello.
– Carácter tosco, espontáneo, grotesco e irreflexivo, cercano a lo inconsciente.
– Creaciones que reflejan el mundo interior del artista.
– Rechazo de los planteamientos tradicionales del arte (coherencia, organización, homogeneidad…).
– Expresión de miseria y deformación.
– Gran libertad de trazo y cromática (al principio predominio de colores terrosos, después colores más claros y variados).
– Utilización de materiales muy diversos mezclados con la pintura (alquitrán, arena, cemento, hojas, alas de mariposa, trozos de madera, etc.).
– Creación de efectos matéricos muy expresivos.
– Temas únicos desarrollados durante largas temporadas (cabezas, figuras, vacas, paisajes urbanos).
artistas arte bruto
Adolf Wölfli (1864-1930)
Joseph Crépin (1875-1948)
Augustin Lesage (1876-1954))
Aloïse Corbaz (1886-1964)
Jean Dubuffet (1901-1985)
Robert Tatin (1902-1983)
Gaston Chaissac (1910-1964)
Ossorio (1916-1990)
Tarcisio Merati (1934-1995)
René Chomeaux, llamado Chomo (n. 1924)
Paul Salvador Oroverde (n. 1960)
Espacialismo (a partir de 1947 - 1968)
El espacialismo es una tendencia pictórica desarrollada en Italia por el argentino Lucio Fontana en la década de los años cincuenta del siglo XX. mediante la discontinuidad física del lienzo. Para ello realizó una serie de obras a las que tituló “Concetto Spaziale” (concepto espacial). En 1946, publicó en Buenos Aires su célebre “Manifesto bianco” (manifiesto blanco); y en 1947, fundó en Italia el grupo “Spazialismo” (espacialismo). Los planteamientos teóricos del grupo se dieron a conocer en su primer “Manifiesto del Espacialismo” (1947) firmado por Kaisserlian, Joppolo, Milani y Fontana. Posteriormente difundieron otros cinco manifiestos.El espacialismo está encuadrado dentro del informalismo y, hasta cierto punto, puede considerarse como una variante de la pintura matérica.– Búsqueda de un arte libre de todo contenido formal, objetivo o ilusionístico (“artificios estéticos”).Fontana postulaba un “arte libre de todo artificio estético”, lo que le llevó a investigar las posibilidades espaciales de la pintura– Creación de efectos espaciales mediante la discontinuidad material del lienzo: el espacio queda definido mediante una serie de acuchillados, tajos o agujeros espaciados en la superficie de la obra. De esta manera el lienzo se conecta con el espacio real circundante que irrumpe en el contexto del cuadro.– En algunas obras, acentuación o resalte del concepto espacial creado por los tajos o perforaciones, mediante su combinación con acumulaciones de pintura y de otras materias sobre la superficie del lienzo.– Empleo de colores planos y fondos generalmente monocromáticos.
(Imagen: sistema de estanterías universal 606 de Vitsoe, diseñado por Dieter Rams en 1960 y todavía en producción)
El movimiento tuvo como principal integrante a Lucio Fontana y sus otros participantes fueron: Lucio Fontana, André Breton, Jean Dubuffet, Guido Antoni, Mario Deluigi, , Beniamino JoppolO, Tancredi (Tancredi Parmeggiani), Giorgio Kaisserlian, Cesare Oeverelli, Giuseppe Tarantino, Alberto Viani.
Estilo Internacional, 1920-1980
La designación Estilo Internacional se refería específicamente a la obra de los arquitectos y diseñadores del Movimiento Moderno, quienes integraron la función y la tecnología con un lenguaje formal geométrico para producir una estética moderna.
También hace referencia a la obra de Le Corbusier y sus seguidores, quienes durante los años '20 y '30 promovieron una versión del movimiento moderno más estilizada y menos austera. Sin embargo, los principales exponentes del estilo internacional fueron Mies van der Rohe y Walter Gropius, quienes, tras emigrar a los EE.UU, pusieron un gran empeño en tratar de "internacionalizar" el movimiento moderno.
Lecorbusier
Los principales exponentes de este estilo son Charles Eames, Eero Saarinen, y Norman Foster.
Muchos de los seguidores del estilo internacional adoptaron una estética funcionalista del movimiento moderno por razones de estilo; otros, en cambio, desarrollaron una pureza estética que promovía un mayor universalismo en la arquitectura y el diseño.
Art deco 1920-1939
El Art Decó fue más un estilo decorativo internacional que un movimiento de diseño.
Tomando el relevo del Art Nouveau de fines de siglo XIX, que con su actitud antihistórica adoptaba formas naturales, el Arte Decó extrajo sus referencias estilísticas de una serie de fuentes eclécticas, como la antigua civilización egipcia, el arte tribal, el surrealismo, el futurismo, el constructivismo, el neoclasicismo, la abstracción geométrica, la cultura popular y el movimiento moderno.
Jean Dunand
La mayor parte de sus exponentes adoptaron la idea de la Artesanía e incorporaron a sus diseños maderas exóticas y materiales lujosos, como el nácar o la piel. Como es de suponer, la dependencia del mecenazgo privado y su incompatibilidad con la producción industrial acortaron la vida del Art Decó, que fue inevitablemente sustituido por enfoques más progresistas.
Diseño orgánico, 1931-1960, 1990 al presente
El diseño orgánico es un enfoque holístico y humanizador del diseño.
Su método de trabajo consistía en el desarrollo de soluciones integradas, de modo que la totalidad de un esquema arquitectónico se unificaba, generando un efecto general mayor que la suma de las partes.
En ese enfoque orgánico fue crucial la manera en que los elementos individuales, como objetos o muebles, conectaban visual y funcionalmente con el contexto de su emplazamiento interior y el conjunto del edificio.También era importante cómo los interiores se integraban con la totalidad del esquema y cómo el propio edificio lo hacía con su entorno, mediante la armonía de sus proporciones, los materiales y el color.
La principal preocupación de Aalto eran las conexiones funcionales, espirituales y emocionales de sus muebles con los usuarios individuales.
Bibliografia:
http://www.interioresminimalistas.com/2010/07/03/thonet-celebra-el-75-aniversario-del-escritorio-de-marcel-breuer/
http://eeudi2009.blogspot.com.co/2009_04_01_archive.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Silla_Wassily
http://definicion.de/surrealismo/ https://es.wikipedia.org/wiki/La_Fuente_(Duchamp)
http://html.rincondelvago.com/movimientos-artisticos-contemporaneos_2.html
http://epistemologiaucnconocimiento.blogspot.com.co/2012/08/representantes-del-racionalismo.html
https://es.answers.yahoo.com/question/index?qid=20091021221838AAuLnYR
http://marco-historiadeldiseoindustrial.blogspot.com.co/2011/11/racionalismo-fordismo.html
https://es.over-blog.com/Expresionismo_abstracto_Caracteristicas_y_autores_destacados-1228321783-art414324.html
https://bauhausinformalismo.wordpress.com/arte-bruto-arte-marginal/
https://bauhausinformalismo.wordpress.com/espacialismo/
Marcel Breuer:
Arquitecto y diseñador húngaro, uno de los principales maestros del movimiento moderno. Nació en Pécs, Hungría, el 21 de mayo de 1902. Estudió en la Bauhaus de Weimar, Alemania, en la época en que Walter Gropius dirigía esta escuela de diseño y arte donde catalizaron las ideas estéticas más importantes del movimiento moderno. Breuer se hizo cargo más tarde del taller de muebles de la Bauhaus, y allí diseñó la primera silla de tubo de acero de la historia, que combinaba las condiciones flexibles de este material con su facilidad para la producción industrial a gran escala. En 1928 se estableció en Berlín para dedicarse también a la arquitectura, como muestra el proyecto para la casa Harnischmacher (Wiesbaden, 1932), una vivienda modular construida en hormigón con estructura de acero. Con la llegada del partido nazi al poder Breuer tuvo que exiliarse, primero en Inglaterra (1933) y más tarde en Estados Unidos (1937). Allí, junto con Gropius, impartió clases en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Harvard, además de continuar su carrera arquitectónica con proyectos como el de su propia casa en Lincoln, Massachusetts (1939), donde utilizó materiales autóctonos. En 1946 abrió un estudio en Nueva York, donde proyectó, junto con el italiano Pier Luigi Nervi y el francés Bernard Zehrfuss, el nuevo edificio de la UNESCO en París.
Edificio UNESCO en París
Casa Harnischmacher
SILLA WASSILY
La pieza original creada por Breuer estaba realizada en acero y piezas de cuero. La elección de los tubos de acero como estructura central de la silla fue inspirada en la bicicleta del propio Breuer. Sin embargo, lejos de ser accidental, respondía a la gran abundancia del material en la Alemania de la primer posguerra y a los avances que la industria metalúrgica había logrado: pocos años antes, la fabricante de acero alemana Mannesmann había desarrollado un sistema de manufactura del acero que permitía un mejor manejo del material y una fabricación en masa del diseño.
Su forma cuadrada de cubismo, Plana Patrón Cruz de la" De stijl" Arquitectura viene de estructuralismo complejo, Tome ventaja de nuevas ideas en su diseño los materiales y diseño de acero inventado la primera del mundo. "silla Wassily" más tarde fue producido por un número de fabricantes en el mundo, tiene todavía estado haciendo todo tipo de variaciones de la fábrica de muebles. Impacto de este trabajo en la comunidad de diseño es un hito, no sólo afecta el futuro de trabajo de diseño, pero también afecta a cientos de miles de obras de otros diseñadores.
También conocida como Modelo B3, fue diseñada por Marcel Breuer en 1925-26 Marcel Breuer proyectó la silla Wassily, para la residencia de Kandinsky en Dessau, donde estaba la Bauhaus School. Este sillón tiene una importancia fundamental porque se usa por la primiera vez un tubo de acero de 20 mm. De diámetro, el mismo de la bicicleta del diseñador. El modelo de esta silla, ideado en 1925, sufrió distintos cambios en el tiempo.
En 1927 se construyó el bastidor de la versión actual que se compone de un tubo continuo, sin ninguna junta, que al doblarse circunscribe un espacio cúbico.
Al principio la Wassily Chair se produjo por la empresa fundada por Breuer mismo, la Standard-Möbel Lengyel, que en 1929 se absorbió por Thonet. La silla, que tiene más de 80 años de historia, aún hoy es muy actual, elegante y representa una solución ideal tanto para el mobiliario de oficinas como para lo del hogar.
El diseño de la silla fue especialmente revolucionario para la época, por su uso de tubos de acero y su método de fabricación. La estructura original era de acero niquelado, posteriormente cromado, y doblado. El asiento y el respaldo son de cuero, lona o tela.
MATERIALES-Guante De Cuero Descarne Puño Corto Refuerzo Palmar
-Varilla de acero con calibre 9mm
-Segueta
-Pintura sellante
-Pintura en aerosol negra
-Tela (Red circle diseño de terciopelo)
PASOS DE ELABORACIÓN
1. Medir el material (Tubo en acero cold roll)
2. Luego hallamos el número de piezas que tenía la silla:
- para la base
- para el sillón
- para el espaldar
- varillas sueltas
3. Cortar el material para la base de la silla, el espaldar, los laterales del sentadero y antebrazos
4. Doblar la base de la silla en forma de cubo con dobladora de tubo
5. Doblar el espaldar con una matriz, ayuda de un hombre solo, por medio de calor con la soldadura de punta, con el soplete.
6. Ensamblar
7. Unir el espaldar a la base de la silla
8. Ya formada la silla con soldadura unir las partes del sentadero y antebrazos con la soldadura eléctrica
9. La superficie debe estar libre de polvo, humedad, cera, pintura deteriorada y óxido. Los metales deben estar protegidos con una anticorrosiva apropiada.
10. Pintar la silla, primero con sellante y luego con aerosol negro 11. Luego tomamos las medidas Tela (Red circle diseño de terciopelo)
12. Se cose y ensamblamos a la silla según el modelo de la original, pero con un diseño autentico propio.
Alvar Aato:
Alvar Aalto (1898-1976) es el arquitecto finlandés más conocido de su generación y uno de los más importantes del siglo XX. Sus edificios plasman una magistral interacción de volúmenes, formas y materiales orgánicos, y los objetos diseñados por él son reconocidos en la actualidad como hitos del desarrollo del mobiliario moderno.
Aalto fue una figura clave de la arquitectura y el diseño internacional de vanguardia desde los años veinte. El finlandés realizó encargos en países como Italia, Suiza, Francia, Alemania y Estados Unidos, en la posguerra. Su prolífica carrera llega hasta los años setenta, incluyendo más de 400 edificios y docenas de muebles, objetos de cristal y lámparas. Acabó llevando a cabo encargos a gran escala, como el Auditorio Finlandia de Helsinki (1975), justo un año antes de su muerte, y la Ópera de Essen, que fue finalizada póstumamente, en 1988.
SILLA PAIMIO
En la Europa de los años 30 la tuberculosis era una de las principales preocupaciones sanitarias. Por todo el continente se construían sanatorios para tratar a los infectados con una rutina que incluía baños de sol y largas horas de descanso respirando aire fresco. De acuerdo con estos ideales higienistas, e inspirado por el Zonnestraal de Duiker, Alvar Aalto proyectó en 1928 el Paimio. El arquitecto entendió este sanatorio como un proyecto integral, lo que le llevó a definir un mobiliario específico. Así nació la silla número 41, más tarde conocida como silla Paimio.
Su diseño responde a la búsqueda de la forma óptima para facilitar la respiración. La silla fue concebida para las zonas de estar del sanatorio, donde los enfermos pasaban horas descansando. Pero la silla Paimio, como el resto de la obra de Aalto, se empeña en negar una relación biunívoca entre forma y función. La sinuosa lámina de abedul que forma el asiento y el respaldo guarda una estrecha relación con las tradiciones nórdicas de artesanía en madera y parece una referencia formal al paisaje finlandés, que el autor siempre citó como inspiración estética en su obra.
Las piezas de mobiliario de Aalto sintetizan experiencias propias de los muebles modernos, vinculadas a los nuevos procesos industriales, y tradiciones locales. Esto le llevó a ser reconocido como el principal creador del entonces joven estado de Finlandia, y uno de los arquitectos determinantes en la definición de una modernidad propia en los países nórdicos.
La silla Paimio parte de un diseño anterior de Marcel Breuer, la silla Wassily, pero sustituye el acero de esa pieza por madera curvada.
El resultado final fue una silla constituida por dos aros cerrados de madera laminada que forman su armazón y una lámina de madera curvada de abedul que resuelve a un tiempo el asiento y el respaldo. La pieza mide 60 x 80 x 64 centímetros. Sus formas curvas le otorgan un valor casi escultórico que, unido al innovador uso de los materiales, ha hecho de ella un hito en el diseño de mobiliario.
Bibliografia:
http://sillawassilyporpaolarojas.blogspot.com.co/2012/10/proceso-de-fabricacion-y-manufactura-de.html
http://www.espacioliving.com/1118016-diseno-de-autor-la-silla-wassily
http://es.aliexpress.com/item/Wassily-Chair-Wassily-armchair-Marcel-Breuer/2020846409.html
http://tectonicablog.com/?p=6442
http://www.catalogodiseno.com/2013/09/28/clasicos-sillon-paimio-de-alvar-aalto/
http://agenda.obrasocial.lacaixa.es/-/alvar-aalto-1898-1976
DISEÑO INDUSTRIAL NORTEAMERICANO
En los Estados Unidos de América el verdadero desarrollo del diseño industrial comienza en la década del treinta y entre las figuras más representativas de esta actividad merece una mención especial Raymond Loewy, arquetipo del diseñador del "american way oflife", y uno de los primeros que planteó "el mejoramiento del aspecto visual de los productos como argumento de venta".
Debemos reconocer que desde el siglo anterior, la industria estadounidense se caracterizaba por la creatividad y la calidad técnica puesta de manifiesto en sus productos, pero no se podía decir lo mismo en cuanto a su estética.
Si bien la mecanización había irrumpido en la cotidianidad, marcando un cambio en el ritmo de vida, la presentación o forma exterior de los objetos no respondían, o respondían deficientemente, a requerimientos estéticos. Posiblemente el público no era demasiado exigente al respecto y los productos se vendían, tenían su mercado. Pero la gran depresión de los años 1929-1930 que conmocionó a los EE.UU. produjo un decline económico generalizado y redujo notablemente este mercado, lo que planteó serios cuestionamientos a la estructura productiva de bienes. El problema era complejo y dentro de las soluciones una era la creación de una demanda consumista. Al respecto Raymond Loewy dice: «El éxito se materializó cuando pudimos convencer a algunos hombres con espíritu creativo que la buena presencia era una mercadería comercial, que a veces reducía los costos, aumentaba el prestigio del producto, incrementaba las 2 ganancias de la compañía, beneficiaba al cliente y creaba empleos».
Comienza así la recuperación fabril y la consolidación del diseño industrial en los EE.UU.
Raymond Loewy nació en París en 1893 y desde muy joven evidenció su capacidad para el diseño a través de propuestas de aeromodelos. En 1909 con la venta de la patente del diseño de un exitoso avión de juguete de su creación, al que llamó "Ayrel", obtuvo una importante suma de dinero. Al referirse a este hecho Loewy manifestó que «a los dieciséis años ya había descubierto que el diseño podía ser divertido y rentable».
En 1929, el fabricante inglés de mimeógrafos Samuel Gestetner le encarga su primer trabajo de diseño industrial, y comienza así una prolífica labor que lo convirtió, luego de la crisis de 1929, en uno de los colaboradores del florecimiento económico de los Estados Unidos, contribuyendo a la consolidación de la cultura del consumo.
Lo que no puede ignorarse es que Loewy ha sido el primer diseñador que logró incidir en la política económica de un país demostrando a los gobernantes que el diseño -según sus cánones- puede ser una importante herramienta para el desarrollo.
Styling
El styling es una modalidad dentro del campo del diseño, que estableció la industria estadounidense para incentivar una actitud consumista en los usuarios.
La grave situación económica que ya comenzó a manifestarse en el año 1926 y que hizo crisis en 1929 (recordemos el "crack" de Wall Street y la depresión que le sucedió), obligó a las empresas a apelar a todos los recursos para revertir la caída de las ventas; dentro
de este contexto, los fabricantes advirtieron que el embellecimiento del aspecto exterior de un producto es una forma de estimular su compra, es decir se percataron de la importancia de la apariencia como factor de venta.
Abarca el rediseño o modificación de un objeto en forma tal que de la impresión de un producto nuevo, aunque la estructura funcional permanezca inalterada; es revestir con un nuevo ropaje, reluciente y atrayente, un objeto cuya forma se ha desgastado con el tiempo, para hacerlo más apetecible.
EL ESTILO AERODINÁMICO (Streamlining)
Como consecuencia de la crisis que se produjo en los Estados Unidos debido a la depresión de finales de la década del 20 y comienzo de los años 30, y en la búsqueda de incentivar el interés de los posibles compradores, en muchos casos se apeló a un cambio formal acorde con el nuevo mundo que estaba surgiendo, y bajo la influencia del futurismo, que glorificaba la velocidad ("la belleza- velocidad"), y basado en investigaciones técnico-científicas orien- tadas a lograr superficies que ofrecieran la menor resistencia al avance para aplicarlas a realizaciones ingenieriles, apareció el aerodinamismo o estilo aerodinámico, que plantea la forma de "lágrima" como la que más se adaptaba al concepto de velocidad.
La aerodinámica se aplicó también a objetos que no tenían por qué ser tenidos en cuenta como dinámicos y se popularizó tanto (fundamentalmente a través del diseñador estadounidense Norman Bel Geddes) que ha llegado a ser considerada como sinónimo del diseño industrial estadounidense de los años 30 y 40.
AÑOS SESENTA
Los años sesenta fueron el fin de una época, el concepto de diseño como instrumento para lograr el confort a nivel del gran público (las masas) fue substituido por el diseño como elemento de la competencia industrial, si bien siempre anclado en una visión social; esto amplió el campo del diseñador que se extendió a los lugares públicos, a los puestos de trabajo, a los medios de comunicación, etc.
En los años setenta el diseño entra en un campo nuevo, las máquinas para la industria, y los proyectos, si bien teniendo en cuenta ios aspectos estéticos, se centran en lo ergonómico, en la relación hombre-máquina. Lo ergonómico pasa a desempeñar un rol impor- tante en el diseño del producto.
En sus inicios, los sesenta vieron un mundo floreciente a partir del resurgimiento industrial lo que permitió a la clase media de los países centrales acceder a nuevas fuentes de trabajo y a la posibilidad de mejorar su calidad de vida.
POP DESIGN
El término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia de la cultura popularen esa década. En 1952 se fundó INDEPENDENT GROUP en Londres.
“úselo hoy, tírelo mañana” que impregnó la producción industrial de los años sesenta
-En su elaboración emplean materiales simples.
-Los representantes no ven sus obras como arte, ni pretenden que éstas reciban ese título.
-Le dan relevancia a la técnica con la que se va elaborar el producto y el proceso que éste
lleva.
-La funcionalidad debía de ser aplicada porque se creía importante que el arte debía de ser algo
para que la gente lo entendiera y con diferentes tipos de utilidades.
Otros artistas de la corriente son El Lissizky, Rodchenko y Stepanova.
Art Deco
-A partir de 1920 hasta 1939
-Un estilo internacional
-Este lenguaje cientifico del diseño fue popularizado en un nuevo movimiento decorativo internacional llamado "Art Deco". En este estilo la maquina, la energía y la velocidad se convirtieron en los temas primarios. Las formas fueron simplificadas y aerodinamizadas, y los tipos de letras curvados fueron substituidos por los lisos, angulares.
-Demostro un variedad amplia de influencias gráficas, de los movimientos modernos del artes del cubismo, de futurismo y de dada; a los avances del diseño de la secesión de viena, de Plakatstil, y del Constructivismo ruso; al arte exótico de Persia, de Egipto, y de Africa.
-El termino "ArtDeco" se deriva de la exposición de "Artes decorativas" de 1925 en Paris, que demostró ser un ecaparate espectacular para el estilo.
-El ArtDeco, como el Art Nouveau antes de el, se extiende rapidamente a traves de Europa.
-Son representantes de este movimiento los artistas Federico Seneca y Giuseppe Riccobaldi en Italia, Ludwig Hohlwein en Alemania, Pieter Hofman en Holanda, Otto Morach y Hbert Matter en Suiza, E. Mcknight Kauffer en Inglaterra, y Francisco Gali en España.
-Algunos teóricos del arte señalan el hundimiento del Titanic como el fin del ArtDeco, al acabarse la supremacia de las maquinas.
- Influyó las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.
El pop Art
-Obra de arte como objeto de consumo.
- Aplicar elementos e iconos de la sociedad de la comunicación de masas en el arte visual es la esencia del movimiento conocido como Pop Art.
-Surge en Estados Unidos y el Reino Unido a fines de la década del 50.
-Al subrayar el uso de los iconos de la sociedad de consumo, los artistas emplean imágenes populares.
-El arte pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda, y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie.
- En este tipo de cultura también el ate deja de ser único y se convierte en un objeto mas de consumo.
- Los origenes de este moviemiento se encuentran en el dadaísmo y utiliza el collage y el fotomontaje.
-Se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine.
Dadaismo
-El movimiento Dada surgió a la vez en Suiza y Estados Unidos en 1916. Desde Zurich se expandió hacia Alemania y hacia Francia. En París es ya el movimiento de moda en 1923.
-El movimiento Dada tiene la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra otra escuela anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera Guerra.
-El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte.
-Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía.
-Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
-Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos.
-Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales.
-Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.
Cubismo
-El cubismo es una escuela y teoría estética de las artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la utilización de las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos.
-El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914.
-El término cubismo proviene del vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Louis Vauxcelles.
-Este especialista hacía referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de artistas como Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros exponentes del cubismo.
-A partir de esta escuela estética se desarrollaron otras vanguardias europeas que revolucionaron el panorama artístico del siglo XX.
-El cubismo está considerado como una vanguardia pionera ya que se encargó de romper con la perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a comienzos de siglo.
-Los cubistas buscaban descomponer las formas naturales y presentarlas mediante figuras geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas.
-Se utilizaron colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en la primera época del movimiento. Con el tiempo, los cubistas comenzaron a incorporar colores más vivos.
Fauvismo
-El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.
-El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.
-Se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento.
-Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores.
-El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos.
-El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.
-Gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.
-Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.
Expresionanismo:
-Busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
-El siglo XX llegó acompañado de un gran número de inventos en el ámbito técnico e industrial así como de nuevos conocimientos decisivos en las ciencias humanísticas y naturales. La teoría de la relatividad de Einstein, el psicoanálisis de Freud, el descubrimiento de los rayos x o bien la primera fisión nuclear, obligaron al hombre a pensar de una forma diferente, más abstracta. Los nuevos conocimientos pusieron de manifiesto que detrás de la realidad se esconde mucho más de lo que puede percibirse mediante el sentido de la vista (una clara ruptura con los preceptos impresionistas)
-Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento.
-La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano.
-La angustia existencial es el principal motor de su estética.
-El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas.
-Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.
-La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos.
Futurismo
-El futurismo comenzó en Italia en 1909.
-Su preocupación estética primordial era la expresión del movimiento. Pero también promovió la preocupación por la ética y la política -un odio a la tradición, una lucha en la modernidad y la ciencia, un ferviente patriotismo, la creencia en el poder de la guerra para purificar-; se trataba, en suma, de un anticipo del fascismo.
-En sus pinturas aparece constantemente la idea de progreso industrial: la ciudad en pleno crecimiento, construcciones, máquinas en movimiento. Lo que les interesa es la expansión, el crecimiento, los movimientos, no sólo de los objetos, sino también de las ciudades.
-La pintura futurista asumió el lenguaje cristalino del Cubismo analítico y las dotes puntillistas del Neo-Impresionismo.
-Al igual que el Cubismo, introdujo en la pintura una serie de sensaciones separadas. Pero mientras que en el cubismo las sensaciones eran diferentes aspectos de un objeto estático visto con algo de movimiento, en el futurismo el espectador permanece estático y el objeto adquiere movimiento. El "perro de Balla", con diferentes rabos, es ejemplo de esta idea.
-El Russolo ejemplifica un concepto del futurismo menos literal, el de "la fuerza en las líneas" como diagramas de energía.
-Las pinturas futuristas se parecen a fotografías consecutivas cuyas diferentes imágenes se han superpuesto.
ABSTRACIÓN GEOMÉTRICA
-Alrededor de 1911-12, artistas de varios países empezaron a hacer pinturas y esculturas no figurativas de formas geométricas. Este interés por las posibilidades de los círculos y rectángulos, líneas rectas y arcos confirmaba un creciente auge del Cubismo.
-Braque y Picasso creían que la pintura estaba incompleta si no hacía referencia al mundo de los objetos.
-París contribuyó a la temprana Abstracción Geométrica con el trabajo del orfista Delanuy y de Czech Kupka.
-Sus formas eran significativamente más libres que las rigurosas abstracciones producidas primero en Rusia y más tarde en Holanda. El Suprematismo de Malevich era místico en su contenido; por el contrario, el Constructivismo de Tatling sugería una religión de la técnica. Tatling y sus seguidores hicieron sus construcciones tridimensionales combinando metal, vidrio o madera. Su construcción más ambiciosa fue un proyecto para un monumento público. Iba a ser una estructura de acero con, aproximadamente, 1.300 pies de altura y partes de ella rotaban a diferentes velocidades. El Abstraccionismo Ruso dio la bienvenida a la revolución: La revolución fu su primer alidao pero pronto lo rechazaron.
-La Abstracción Geométrica ha tendido a soñar con un entorno utópico para el hombre moderno creado a la imagen de su arte.
-Los exponentes franceses de la pintura de Abstracción Geométrica surgen entre las guerras mundiales, como Herbin y Hélion, eran menos rigurosos en su aproximación que Mondrian, Malevich o Albers, y tendín hacia una mayor complejidad de los diseños.
Las esculturas de Pevsner y Max Bill se relacionan directamente con modelos matemáticos. Barbara Hepworth, era más biomórfica en su concepción: reflejaba la conciencia de tales modelos.
Arte Naif
-1900-1937
-Se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la perspectiva acientífica captada por intuición. --En muchos aspectos, recuerda (o se inspira en) el arte infantil, muchas veces ajeno al aprendizaje académico.
-El arte Naif es aquel que desarrollaron un grupo de artistas al que denominaron naifs o aficionados por el hecho de no dedicarse la pintura como actividad principal, sino al margen de sus respectivas ocupaciones profesionales.
-El auto didactismo que practican la mayoría deriva del deseo de huir del academicismo para conseguir unas manifestaciones artísticas menos contaminadas por los convencionalismos.
-Se le ha calificado también de ingenuo.
-Búsqueda de la simplicidad para ofrecer así una visión del mundo sincera y exenta de artificios.
-Su particular idea de concebir el arte, no como algo reflexivo y trascendente, sino como reflejo de la tranquilidad y despreocupación interior.
-Ha hecho que sus obras muestren como rasgo principal el ambiente completamente sereno y despreocupado que otorgan a la existencia.
-Las principales características del arte naif son: contornos definidos con mucha precisión, falta de perspectiva, sensación volumétrica conseguida por medio de un extraordinario colorido, pintura detallista y minuciosa y gran potencia expresiva, aunque el dibujo puede ser incorrecto.
Biblliografia http://definicion.de/cubismo/
http://html.rincondelvago.com/movimientos-artisticos-del-siglo-xx.html
http://culturamaterialye.blogspot.com.co/2011/11/art-nouveau-modernismo.html
http://www.arteespana.com/artenaif.htm
http://es.slideshare.net/PERCY77/breve-historia-del-diseo
http://www.arteespana.com/fauvismo.htm
https://fauvismosigloxx.wordpress.com
http://www.arteespana.com/expresionismo.htm
http://html.rincondelvago.com/movimientos-artisticos-del-siglo-xx.html
http://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/solo_texto.htm
http://www.arteespana.com/artenaif.htm
Movimientos artísticos de 1920 a 1950
Nueva objetividad (1920 - 1933)
Surge en Alemania hacia 1922. Este movimiento estaba en contra del arte subjetivo y emocional de los expresionistas de los años 20. Los artistas de este grupo optaron por la neutralidad de la expresión, en oposición al Fauvismo y al Impresionismo, y defendían un arte en el que la creación artística se identificaba con el oficio.
"Neue Sachlichkeit" (nueva objetividad) fue el nombre dado por el crítico G. F. Hartlaub para designar a un movimiento que recuperaba elementos del expresionismo alemán inicial pero con un marcado carácter crítico. La principal exposición de este movimiento tuvo lugar en Manheim en el año 1925.
El crítico Franz Roh utilizó la denominación de realismo mágico para definir a este movimiento debido al carácter chocante o agresivo de su lenguaje realista.
Características:
- Rechazo del planteamiento sensorial y subjetivo del cubismo, del futurismo y del expresionismo, buscando la vuelta a los lenguajes objetivos del realismo.
- Figuración de carácter crítico-satírico tratada de manera agresiva y ácida mediante un dibujo caricaturesco de gran libertad expresiva.
- Representación ambivalente de la realidad: ausencia de emoción en la representación, casi superficial, pero al mismo tiempo tratada con una perspectiva socialmente comprometida.
- Gran nitidez visual con contornos bien marcados y trazos ágiles y vigorosos.
- Temática de denuncia social, próxima a lo vulgar, que resalta los aspectos más sórdidos de la realidad: corrupción, víctimas de la guerra, desumanización de la vida, escenas de gran ciudad con figuras perdidas entre edificios o inmersas en ambientes industriales, transfondos de miseria, prostitución, etc.
- Equiparación plástica de personas y objetos que son representados de manera rígida, mecánica, grotesca y desindividualizada.
- Composiciones rígidamente estructuradas, generalmente de cualidad narrativa.
- Colores fuertes, generalmente contrastados con negro (Beckmann).
Influencias:
Del realismo de la antigua pintura alemana y de la gran libertad grafico-plástica del expresionismo inicial que es llevada hasta sus máximas consecuencias.
Artistas:
George Grosz (1893-1959), Otto Dix (1891-1968), Max Beckmann (1884-1950), Rudolf Schlicher (1890-1955), Oscar Kokoschka (1886-1980), Ernst Barlach (1870-1938), Christian Schad (1894-1982) y Conrad Felixmüller (1897-1977).
S 285
Este escritorio de tubo de acero es un logrado ejemplo del deseo de la Bauhaus de convertir el arte y la técnica en una unidad formal. En el S 285 se integran armónicamente el tablero de la mesa y los elementos para guardar objetos en madera lacada o teñida. El bastidor portante está formado por una única línea y los elementos de madera parecen flotar en ella.
Este mueble sencillo y formal en sus proporciones representa un periodo muy significativo de la historia contemporánea conocido como “la Nueva Objetividad”.
El escritorio se fabrica con bastidor de tubo de acero cromado y cuerpo en fresno teñido o lacado a poro abierto en diferentes tonalidades. Los cajones tienen cierre centralizado y se puede suministrar con estantes abiertos.
SILLA WASSILY
Esta silla ha sido diseñada en el año 1925 por Marcel Breuer.
El diseño de la silla fue especialmente revolucionario para la época, por su uso de tubos de acero y su método de fabricación. La estructura original era de acero niquelado, posteriormente cromado, y doblado. El asiento y el respaldo son de cuero, lona o tela.
CENICERO BAUHAUS
Este cenicero data de 1924 diseñado por Marianne Brandt, diseñadora de la escuela de La Bauhaus. El material utilizado para fabricar esta pieza es latón en parte niquelado.Sus formas son simples ya que utiliza una semiesfera para el cuerpo del cenicero y un triangulo equilátero para que sirva de apoyo para el cigarro. Es sútil a la vez que eficaz con el sistema de sujección basado en unos lisoportescolocados perpendicularmente en la base de la esfera.
Este objeto se centra en los principios de La Bauhaus utilizando formas sencillas y materiales no muy costosos, para que sus diseños estén disponibles a todos los niveles socioeconómicos.
Surrealismo (1924 - 1966)
Es un movimiento literario y artístico que busca trascender lo real a partir del impulso
psíquico de lo imaginario y lo irracional.
Los surrealistas persiguen la verdad mediante escrituras automáticas donde se omiten las correcciones racionales. Los escritos surrealistas se basan en la utilización de imágenes para la expresión de emociones.
Características:
-El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
-Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está detrás del mundo real.
-Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía oculto.
-El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
-Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.
-La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.
-El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos de la sociedad.
-Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.
PRINCIPALES REPRESENTANTES
-Salvador Dali -Max Ernst -Vladimir Kush -Jacek Jerka -Lina Cortes (artista recomendado)
-Marcel Duchamp
LA FUENTE
Con esta obra, Duchamp inició una auténtica revolución en el mundo del arte (introduciendo el vanguardismo) al demostrar que cualquier objeto mundano podía considerarse una obra de arte con tal de que el artista lo quitara de su contexto original (en este caso, un baño) y lo situara en un nuevo contexto adecuado -una galería o un museo- y la declarara como tal.
Racionalismo (1925 - 1940)
El racionalismo es un movimiento que tiene a la razón como pilar y sostén. Esta filosofía, surgida en el siglo XVII y con manifestaciones en diversas ramas del arte, sostiene que el raciocinio es la principal herramienta para generar saber, dejando a la percepción y la experiencia en un segundo plano.
-Consideración de la razón como la única fuente válida de conoci-
miento. Entre los racionalistas se produce una tendencia a rechazar el criterio de autoridad y a defender la autosuficiencia de la razón. La confianza en la capacidad de la razón es tal que sus criterios se aceptan sin crítica alguna. -Infravaloración del conocimiento sensible. Para los racionalistas los sentidos son engañosos. El conocimiento sensible no puede fundamentar, pues, un conocimiento umversalmente válido, es decir, un conocimiento científico. -Afirmación de que el conocimiento puede ser construido deductivamente a partir de unos primeros principios. -Afirmación de la existencia de las ideas innatas, verdades fundamentales que se hallan potencialmente en el entendimiento, que surgen gracias a determinadas experiencias y a partir de las cuales la razón obtiene todas las demás verdades por deducción.
Representantes:
-Rene Descartes
-Gottfried Wilhelm Leibniz
-Spinoza
Peter Behrens (Pintor, diseñador, arquitecto)
Es quien expresa mejor los postulados de la Werkbund
1898 a 1904 fue miembro de la Colonia de Artistas de Darmstadt,1903 a 1907 dirige la Escuela de Artes Aplicadas de Düseldorf1907 a 1914 perteneció al consejo artístico de la AEG en Berlín.
Copa de vidrio soplado
Piezas de cerámicas
Hervidor 1910
Expresionismo abstracto (h. 1944 - 1964)
El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial.
Características:
Este movimiento se caracteriza principalmente porque no aceptan las formas, lo opuesto al arte abstracto es lo figurativo, a su vez estas pinturas eran plasmadas en lienzos grandes y eran pintados al óleo. Los colores utilizados eran el negro o el blanco combinados con los colores primarios como el amarillo, el azul y el rojo. Estas pinturas tenían una profundidad en cuanto a que no tenían un límite dentro del cuadro del lienzo, la pintura era un todo dentro del mismo, se dicen que los cuadros de esta época reflejaban el período que estaba viviendo la sociedad. Los colores opacos y los trazos fuertes querían significar la angustia y la crisis que sentían las personas debido al momento que estaban atravesando, ya que este movimiento surge después del crack de 1929 y se extiende después de la Segunda Guerra Mundial.
Autores destacados:
FAP (Federal Arts Proyect) y la WPA (Works Progress Administration), estos lugares dieron origen a pintores abstractos. Existieron también museos y galerías de arte que promovieron la exposición de cuadros expresionistas, como por ejemplo las obras de Jackson Pollock o Mark Rothko.
Arte marginal / Art brut (a partir de 1945)
Surge en Francia mediado de los años cuarenta de la mano de Jean Dubuffet. Esta dentro del informalismo, pudiendo clasificarse como una fusión de estética neofigurativa (neo figuración) y de pintura materica.
Dubuffet definió el ¨Art Brut¨ como: ¨toda clase de producciones que presentan un carácter espontaneo y fuertemente imaginativo¨ (en francés, ‘arte en bruto’), término fijado por el pintor vanguardista francés Jean Dubuffet para designar el arte creado por personas que son ajenas a las formas de expresión artística y a los valores culturales tradicionales y que pintan espontáneamente para satisfacer una necesidad interior.
El concepto del arte popular, imposible de fechar, surgió de la noción del «pueblo», la misma que aparece en la Revolución. Los creadores del Art Brut son, sobre todo, niños, gente con graves desequilibrios mentales, presos o marginados sociales.
Este tipo de arte puede ser poco sofisticado, considerado en términos artísticos convencionales, pero atrajo la atención de Dubuffet por su pureza, originalidad y por estar libre de ataduras culturales. Se diferencia del arte naïf en que éste está realizado de cara a un reconocimiento público, mientras que el impulso que hay tras el Art Brut es de carácter totalmente íntimo. La creatividad del arte bruto o «arte fuera de las normas» halla su inspiración en este mismo abordaje del arte popular.
INFLUENCIAS
– Las creaciones plásticas de los niños, enfermos mentales y gente marginada.
– También influencia de Jean Fautrier (pintura materica), del dadaismo y de Paul Klee (abstraccion).
Jean Dubuffet, artista francés que rechazó la abstracción y apostó por el arte figurativo primitivista tratando de recuperar el valor expresivo de la pintura de los niños y locos. En sus obras experimenta con diversos materiales encolados: tierra, serrín, hojas…
Jean Dubuffet es el padre del “Arte Brut” que se acerca a los instintos, pasiones, deseos, violencia y delirios del hombre salvaje. Las reminiscencias de nuestros impulsos más primitivos ajenos a la lógica y a la razón se reflejan en sus “collages” terrosos (pintura matérica) formados por rascaduras e incisiones en la superficie. La pintura de Dubuffetsupone un brusco flash-back temporal para nuestros sentidos.
Desde mediados del siglo XX, el arte marginal – art brut y outsider art – sirvió a aquellos artistas al margen de la sociedad para expresar sus inquietudes y sentimientos.
El influjo de estos artistas marginales (excéntricos) en los artistas profesionales fue intenso en algunos de ellos y de la talla de Paul Klee, Miró, Schiele, Tàpies…
El interés por el arte marginal vino de la mano de la psiquiatría en un intento de comprender los misterios de la mente humana (el subconsiente). La espontaneidad de lo marginal resultaba atrayente.
Algunos artistas interesados en el art Brut a lo largo del siglo pasado han sido:
* Pearl Alcock, Paul Klee, Oskar Kokoschka, Vassily Kandisky, Antoni Tàpies, Henri Rousseau…
Algunos de los temas tratados en las obras de los artistas marginales se refieren a:
– Paisajes imaginarios (bosques animados), ciudades fantásticas, sueños fantásticos, cuentos obsesivos, el cuerpo y el erotismo, rostros y máscaras, lenguas sorprendentes, el universo y la naturaleza enigmática.
CARACTERISTICAS
– Rechazo de lo bello.
– Carácter tosco, espontáneo, grotesco e irreflexivo, cercano a lo inconsciente.
– Creaciones que reflejan el mundo interior del artista.
– Rechazo de los planteamientos tradicionales del arte (coherencia, organización, homogeneidad…).
– Expresión de miseria y deformación.
– Gran libertad de trazo y cromática (al principio predominio de colores terrosos, después colores más claros y variados).
– Utilización de materiales muy diversos mezclados con la pintura (alquitrán, arena, cemento, hojas, alas de mariposa, trozos de madera, etc.).
– Creación de efectos matéricos muy expresivos.
– Temas únicos desarrollados durante largas temporadas (cabezas, figuras, vacas, paisajes urbanos).
artistas arte bruto
Adolf Wölfli (1864-1930)
Joseph Crépin (1875-1948)
Augustin Lesage (1876-1954))
Aloïse Corbaz (1886-1964)
Jean Dubuffet (1901-1985)
Robert Tatin (1902-1983)
Gaston Chaissac (1910-1964)
Ossorio (1916-1990)
Tarcisio Merati (1934-1995)
René Chomeaux, llamado Chomo (n. 1924)
Paul Salvador Oroverde (n. 1960)
Espacialismo (a partir de 1947 - 1968)
El espacialismo es una tendencia pictórica desarrollada en Italia por el argentino Lucio Fontana en la década de los años cincuenta del siglo XX. mediante la discontinuidad física del lienzo. Para ello realizó una serie de obras a las que tituló “Concetto Spaziale” (concepto espacial). En 1946, publicó en Buenos Aires su célebre “Manifesto bianco” (manifiesto blanco); y en 1947, fundó en Italia el grupo “Spazialismo” (espacialismo). Los planteamientos teóricos del grupo se dieron a conocer en su primer “Manifiesto del Espacialismo” (1947) firmado por Kaisserlian, Joppolo, Milani y Fontana. Posteriormente difundieron otros cinco manifiestos.El espacialismo está encuadrado dentro del informalismo y, hasta cierto punto, puede considerarse como una variante de la pintura matérica.– Búsqueda de un arte libre de todo contenido formal, objetivo o ilusionístico (“artificios estéticos”).Fontana postulaba un “arte libre de todo artificio estético”, lo que le llevó a investigar las posibilidades espaciales de la pintura– Creación de efectos espaciales mediante la discontinuidad material del lienzo: el espacio queda definido mediante una serie de acuchillados, tajos o agujeros espaciados en la superficie de la obra. De esta manera el lienzo se conecta con el espacio real circundante que irrumpe en el contexto del cuadro.– En algunas obras, acentuación o resalte del concepto espacial creado por los tajos o perforaciones, mediante su combinación con acumulaciones de pintura y de otras materias sobre la superficie del lienzo.– Empleo de colores planos y fondos generalmente monocromáticos.
(Imagen: sistema de estanterías universal 606 de Vitsoe, diseñado por Dieter Rams en 1960 y todavía en producción)
El movimiento tuvo como principal integrante a Lucio Fontana y sus otros participantes fueron: Lucio Fontana, André Breton, Jean Dubuffet, Guido Antoni, Mario Deluigi, , Beniamino JoppolO, Tancredi (Tancredi Parmeggiani), Giorgio Kaisserlian, Cesare Oeverelli, Giuseppe Tarantino, Alberto Viani.
Estilo Internacional, 1920-1980
La designación Estilo Internacional se refería específicamente a la obra de los arquitectos y diseñadores del Movimiento Moderno, quienes integraron la función y la tecnología con un lenguaje formal geométrico para producir una estética moderna.
También hace referencia a la obra de Le Corbusier y sus seguidores, quienes durante los años '20 y '30 promovieron una versión del movimiento moderno más estilizada y menos austera. Sin embargo, los principales exponentes del estilo internacional fueron Mies van der Rohe y Walter Gropius, quienes, tras emigrar a los EE.UU, pusieron un gran empeño en tratar de "internacionalizar" el movimiento moderno.
Lecorbusier
Los principales exponentes de este estilo son Charles Eames, Eero Saarinen, y Norman Foster.
Muchos de los seguidores del estilo internacional adoptaron una estética funcionalista del movimiento moderno por razones de estilo; otros, en cambio, desarrollaron una pureza estética que promovía un mayor universalismo en la arquitectura y el diseño.
Art deco 1920-1939
El Art Decó fue más un estilo decorativo internacional que un movimiento de diseño.
Tomando el relevo del Art Nouveau de fines de siglo XIX, que con su actitud antihistórica adoptaba formas naturales, el Arte Decó extrajo sus referencias estilísticas de una serie de fuentes eclécticas, como la antigua civilización egipcia, el arte tribal, el surrealismo, el futurismo, el constructivismo, el neoclasicismo, la abstracción geométrica, la cultura popular y el movimiento moderno.
Jean Dunand
La mayor parte de sus exponentes adoptaron la idea de la Artesanía e incorporaron a sus diseños maderas exóticas y materiales lujosos, como el nácar o la piel. Como es de suponer, la dependencia del mecenazgo privado y su incompatibilidad con la producción industrial acortaron la vida del Art Decó, que fue inevitablemente sustituido por enfoques más progresistas.
Diseño orgánico, 1931-1960, 1990 al presente
El diseño orgánico es un enfoque holístico y humanizador del diseño.
Su método de trabajo consistía en el desarrollo de soluciones integradas, de modo que la totalidad de un esquema arquitectónico se unificaba, generando un efecto general mayor que la suma de las partes.
En ese enfoque orgánico fue crucial la manera en que los elementos individuales, como objetos o muebles, conectaban visual y funcionalmente con el contexto de su emplazamiento interior y el conjunto del edificio.También era importante cómo los interiores se integraban con la totalidad del esquema y cómo el propio edificio lo hacía con su entorno, mediante la armonía de sus proporciones, los materiales y el color.
La principal preocupación de Aalto eran las conexiones funcionales, espirituales y emocionales de sus muebles con los usuarios individuales.
Bibliografia:
http://www.interioresminimalistas.com/2010/07/03/thonet-celebra-el-75-aniversario-del-escritorio-de-marcel-breuer/
http://eeudi2009.blogspot.com.co/2009_04_01_archive.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Silla_Wassily
http://definicion.de/surrealismo/ https://es.wikipedia.org/wiki/La_Fuente_(Duchamp)
http://html.rincondelvago.com/movimientos-artisticos-contemporaneos_2.html
http://epistemologiaucnconocimiento.blogspot.com.co/2012/08/representantes-del-racionalismo.html
https://es.answers.yahoo.com/question/index?qid=20091021221838AAuLnYR
http://marco-historiadeldiseoindustrial.blogspot.com.co/2011/11/racionalismo-fordismo.html
https://es.over-blog.com/Expresionismo_abstracto_Caracteristicas_y_autores_destacados-1228321783-art414324.html
https://bauhausinformalismo.wordpress.com/arte-bruto-arte-marginal/
https://bauhausinformalismo.wordpress.com/espacialismo/
Marcel Breuer:
Arquitecto y diseñador húngaro, uno de los principales maestros del movimiento moderno. Nació en Pécs, Hungría, el 21 de mayo de 1902. Estudió en la Bauhaus de Weimar, Alemania, en la época en que Walter Gropius dirigía esta escuela de diseño y arte donde catalizaron las ideas estéticas más importantes del movimiento moderno. Breuer se hizo cargo más tarde del taller de muebles de la Bauhaus, y allí diseñó la primera silla de tubo de acero de la historia, que combinaba las condiciones flexibles de este material con su facilidad para la producción industrial a gran escala. En 1928 se estableció en Berlín para dedicarse también a la arquitectura, como muestra el proyecto para la casa Harnischmacher (Wiesbaden, 1932), una vivienda modular construida en hormigón con estructura de acero. Con la llegada del partido nazi al poder Breuer tuvo que exiliarse, primero en Inglaterra (1933) y más tarde en Estados Unidos (1937). Allí, junto con Gropius, impartió clases en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Harvard, además de continuar su carrera arquitectónica con proyectos como el de su propia casa en Lincoln, Massachusetts (1939), donde utilizó materiales autóctonos. En 1946 abrió un estudio en Nueva York, donde proyectó, junto con el italiano Pier Luigi Nervi y el francés Bernard Zehrfuss, el nuevo edificio de la UNESCO en París.
Edificio UNESCO en París
Casa Harnischmacher
SILLA WASSILY
La pieza original creada por Breuer estaba realizada en acero y piezas de cuero. La elección de los tubos de acero como estructura central de la silla fue inspirada en la bicicleta del propio Breuer. Sin embargo, lejos de ser accidental, respondía a la gran abundancia del material en la Alemania de la primer posguerra y a los avances que la industria metalúrgica había logrado: pocos años antes, la fabricante de acero alemana Mannesmann había desarrollado un sistema de manufactura del acero que permitía un mejor manejo del material y una fabricación en masa del diseño.
Su forma cuadrada de cubismo, Plana Patrón Cruz de la" De stijl" Arquitectura viene de estructuralismo complejo, Tome ventaja de nuevas ideas en su diseño los materiales y diseño de acero inventado la primera del mundo. "silla Wassily" más tarde fue producido por un número de fabricantes en el mundo, tiene todavía estado haciendo todo tipo de variaciones de la fábrica de muebles. Impacto de este trabajo en la comunidad de diseño es un hito, no sólo afecta el futuro de trabajo de diseño, pero también afecta a cientos de miles de obras de otros diseñadores.
También conocida como Modelo B3, fue diseñada por Marcel Breuer en 1925-26 Marcel Breuer proyectó la silla Wassily, para la residencia de Kandinsky en Dessau, donde estaba la Bauhaus School. Este sillón tiene una importancia fundamental porque se usa por la primiera vez un tubo de acero de 20 mm. De diámetro, el mismo de la bicicleta del diseñador. El modelo de esta silla, ideado en 1925, sufrió distintos cambios en el tiempo.
En 1927 se construyó el bastidor de la versión actual que se compone de un tubo continuo, sin ninguna junta, que al doblarse circunscribe un espacio cúbico.
Al principio la Wassily Chair se produjo por la empresa fundada por Breuer mismo, la Standard-Möbel Lengyel, que en 1929 se absorbió por Thonet. La silla, que tiene más de 80 años de historia, aún hoy es muy actual, elegante y representa una solución ideal tanto para el mobiliario de oficinas como para lo del hogar.
El diseño de la silla fue especialmente revolucionario para la época, por su uso de tubos de acero y su método de fabricación. La estructura original era de acero niquelado, posteriormente cromado, y doblado. El asiento y el respaldo son de cuero, lona o tela.
MATERIALES-Guante De Cuero Descarne Puño Corto Refuerzo Palmar
-Varilla de acero con calibre 9mm
-Segueta
-Pintura sellante
-Pintura en aerosol negra
-Tela (Red circle diseño de terciopelo)
PASOS DE ELABORACIÓN
1. Medir el material (Tubo en acero cold roll)
2. Luego hallamos el número de piezas que tenía la silla:
- para la base
- para el sillón
- para el espaldar
- varillas sueltas
3. Cortar el material para la base de la silla, el espaldar, los laterales del sentadero y antebrazos
4. Doblar la base de la silla en forma de cubo con dobladora de tubo
5. Doblar el espaldar con una matriz, ayuda de un hombre solo, por medio de calor con la soldadura de punta, con el soplete.
6. Ensamblar
7. Unir el espaldar a la base de la silla
8. Ya formada la silla con soldadura unir las partes del sentadero y antebrazos con la soldadura eléctrica
9. La superficie debe estar libre de polvo, humedad, cera, pintura deteriorada y óxido. Los metales deben estar protegidos con una anticorrosiva apropiada.
10. Pintar la silla, primero con sellante y luego con aerosol negro 11. Luego tomamos las medidas Tela (Red circle diseño de terciopelo)
12. Se cose y ensamblamos a la silla según el modelo de la original, pero con un diseño autentico propio.
Alvar Aato:
Alvar Aalto (1898-1976) es el arquitecto finlandés más conocido de su generación y uno de los más importantes del siglo XX. Sus edificios plasman una magistral interacción de volúmenes, formas y materiales orgánicos, y los objetos diseñados por él son reconocidos en la actualidad como hitos del desarrollo del mobiliario moderno.
Aalto fue una figura clave de la arquitectura y el diseño internacional de vanguardia desde los años veinte. El finlandés realizó encargos en países como Italia, Suiza, Francia, Alemania y Estados Unidos, en la posguerra. Su prolífica carrera llega hasta los años setenta, incluyendo más de 400 edificios y docenas de muebles, objetos de cristal y lámparas. Acabó llevando a cabo encargos a gran escala, como el Auditorio Finlandia de Helsinki (1975), justo un año antes de su muerte, y la Ópera de Essen, que fue finalizada póstumamente, en 1988.
SILLA PAIMIO
En la Europa de los años 30 la tuberculosis era una de las principales preocupaciones sanitarias. Por todo el continente se construían sanatorios para tratar a los infectados con una rutina que incluía baños de sol y largas horas de descanso respirando aire fresco. De acuerdo con estos ideales higienistas, e inspirado por el Zonnestraal de Duiker, Alvar Aalto proyectó en 1928 el Paimio. El arquitecto entendió este sanatorio como un proyecto integral, lo que le llevó a definir un mobiliario específico. Así nació la silla número 41, más tarde conocida como silla Paimio.
Su diseño responde a la búsqueda de la forma óptima para facilitar la respiración. La silla fue concebida para las zonas de estar del sanatorio, donde los enfermos pasaban horas descansando. Pero la silla Paimio, como el resto de la obra de Aalto, se empeña en negar una relación biunívoca entre forma y función. La sinuosa lámina de abedul que forma el asiento y el respaldo guarda una estrecha relación con las tradiciones nórdicas de artesanía en madera y parece una referencia formal al paisaje finlandés, que el autor siempre citó como inspiración estética en su obra.
Las piezas de mobiliario de Aalto sintetizan experiencias propias de los muebles modernos, vinculadas a los nuevos procesos industriales, y tradiciones locales. Esto le llevó a ser reconocido como el principal creador del entonces joven estado de Finlandia, y uno de los arquitectos determinantes en la definición de una modernidad propia en los países nórdicos.
La silla Paimio parte de un diseño anterior de Marcel Breuer, la silla Wassily, pero sustituye el acero de esa pieza por madera curvada.
El resultado final fue una silla constituida por dos aros cerrados de madera laminada que forman su armazón y una lámina de madera curvada de abedul que resuelve a un tiempo el asiento y el respaldo. La pieza mide 60 x 80 x 64 centímetros. Sus formas curvas le otorgan un valor casi escultórico que, unido al innovador uso de los materiales, ha hecho de ella un hito en el diseño de mobiliario.
Bibliografia:
http://sillawassilyporpaolarojas.blogspot.com.co/2012/10/proceso-de-fabricacion-y-manufactura-de.html
http://www.espacioliving.com/1118016-diseno-de-autor-la-silla-wassily
http://es.aliexpress.com/item/Wassily-Chair-Wassily-armchair-Marcel-Breuer/2020846409.html
http://tectonicablog.com/?p=6442
http://www.catalogodiseno.com/2013/09/28/clasicos-sillon-paimio-de-alvar-aalto/
http://agenda.obrasocial.lacaixa.es/-/alvar-aalto-1898-1976
DISEÑO INDUSTRIAL NORTEAMERICANO
En los Estados Unidos de América el verdadero desarrollo del diseño industrial comienza en la década del treinta y entre las figuras más representativas de esta actividad merece una mención especial Raymond Loewy, arquetipo del diseñador del "american way oflife", y uno de los primeros que planteó "el mejoramiento del aspecto visual de los productos como argumento de venta".
Debemos reconocer que desde el siglo anterior, la industria estadounidense se caracterizaba por la creatividad y la calidad técnica puesta de manifiesto en sus productos, pero no se podía decir lo mismo en cuanto a su estética.
Si bien la mecanización había irrumpido en la cotidianidad, marcando un cambio en el ritmo de vida, la presentación o forma exterior de los objetos no respondían, o respondían deficientemente, a requerimientos estéticos. Posiblemente el público no era demasiado exigente al respecto y los productos se vendían, tenían su mercado. Pero la gran depresión de los años 1929-1930 que conmocionó a los EE.UU. produjo un decline económico generalizado y redujo notablemente este mercado, lo que planteó serios cuestionamientos a la estructura productiva de bienes. El problema era complejo y dentro de las soluciones una era la creación de una demanda consumista. Al respecto Raymond Loewy dice: «El éxito se materializó cuando pudimos convencer a algunos hombres con espíritu creativo que la buena presencia era una mercadería comercial, que a veces reducía los costos, aumentaba el prestigio del producto, incrementaba las 2 ganancias de la compañía, beneficiaba al cliente y creaba empleos».
Comienza así la recuperación fabril y la consolidación del diseño industrial en los EE.UU.
Raymond Loewy nació en París en 1893 y desde muy joven evidenció su capacidad para el diseño a través de propuestas de aeromodelos. En 1909 con la venta de la patente del diseño de un exitoso avión de juguete de su creación, al que llamó "Ayrel", obtuvo una importante suma de dinero. Al referirse a este hecho Loewy manifestó que «a los dieciséis años ya había descubierto que el diseño podía ser divertido y rentable».
En 1929, el fabricante inglés de mimeógrafos Samuel Gestetner le encarga su primer trabajo de diseño industrial, y comienza así una prolífica labor que lo convirtió, luego de la crisis de 1929, en uno de los colaboradores del florecimiento económico de los Estados Unidos, contribuyendo a la consolidación de la cultura del consumo.
Lo que no puede ignorarse es que Loewy ha sido el primer diseñador que logró incidir en la política económica de un país demostrando a los gobernantes que el diseño -según sus cánones- puede ser una importante herramienta para el desarrollo.
Styling
El styling es una modalidad dentro del campo del diseño, que estableció la industria estadounidense para incentivar una actitud consumista en los usuarios.
La grave situación económica que ya comenzó a manifestarse en el año 1926 y que hizo crisis en 1929 (recordemos el "crack" de Wall Street y la depresión que le sucedió), obligó a las empresas a apelar a todos los recursos para revertir la caída de las ventas; dentro
de este contexto, los fabricantes advirtieron que el embellecimiento del aspecto exterior de un producto es una forma de estimular su compra, es decir se percataron de la importancia de la apariencia como factor de venta.
Abarca el rediseño o modificación de un objeto en forma tal que de la impresión de un producto nuevo, aunque la estructura funcional permanezca inalterada; es revestir con un nuevo ropaje, reluciente y atrayente, un objeto cuya forma se ha desgastado con el tiempo, para hacerlo más apetecible.
EL ESTILO AERODINÁMICO (Streamlining)
Como consecuencia de la crisis que se produjo en los Estados Unidos debido a la depresión de finales de la década del 20 y comienzo de los años 30, y en la búsqueda de incentivar el interés de los posibles compradores, en muchos casos se apeló a un cambio formal acorde con el nuevo mundo que estaba surgiendo, y bajo la influencia del futurismo, que glorificaba la velocidad ("la belleza- velocidad"), y basado en investigaciones técnico-científicas orien- tadas a lograr superficies que ofrecieran la menor resistencia al avance para aplicarlas a realizaciones ingenieriles, apareció el aerodinamismo o estilo aerodinámico, que plantea la forma de "lágrima" como la que más se adaptaba al concepto de velocidad.
La aerodinámica se aplicó también a objetos que no tenían por qué ser tenidos en cuenta como dinámicos y se popularizó tanto (fundamentalmente a través del diseñador estadounidense Norman Bel Geddes) que ha llegado a ser considerada como sinónimo del diseño industrial estadounidense de los años 30 y 40.
AÑOS SESENTA
Los años sesenta fueron el fin de una época, el concepto de diseño como instrumento para lograr el confort a nivel del gran público (las masas) fue substituido por el diseño como elemento de la competencia industrial, si bien siempre anclado en una visión social; esto amplió el campo del diseñador que se extendió a los lugares públicos, a los puestos de trabajo, a los medios de comunicación, etc.
En los años setenta el diseño entra en un campo nuevo, las máquinas para la industria, y los proyectos, si bien teniendo en cuenta ios aspectos estéticos, se centran en lo ergonómico, en la relación hombre-máquina. Lo ergonómico pasa a desempeñar un rol impor- tante en el diseño del producto.
En sus inicios, los sesenta vieron un mundo floreciente a partir del resurgimiento industrial lo que permitió a la clase media de los países centrales acceder a nuevas fuentes de trabajo y a la posibilidad de mejorar su calidad de vida.
MOVIMIENTOS
POP DESIGN
El término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia de la cultura popularen esa década. En 1952 se fundó INDEPENDENT GROUP en Londres.
“úselo hoy, tírelo mañana” que impregnó la producción industrial de los años sesenta
Durante los años cincuenta dominó la estilización de los productos (en nombre de obsolescencia integrada para fomentar una mayor producción), lo cual proporcionó un termino muy fértil a la actitud“úselo hoy, tírelo mañana” que impregnó la producción industrial de los años sesenta.
CRAFT REVIVAL
Los orígenes del craft revival se remontan a mediados el siglo XIX con la reivindicación de laconservación y la recuperación de la artesanía tradicional tras la industrialización sin precedentes deGran Bretaña (art & craft).Desde a mediados del siglo XX, cuando los procesos de fabricación ofrecían mayores posibilidades, eldiseño y la producción fueron distanciándose cada vez más y las técnicas artesanales terminarondeteriorándose.
HIGH-TECHEl
estilo High – Tech surgió en la arquitectura de a mediada de los setenta, inspirada en el formalismogeométrico del movimiento moderno y el diseño radical de Buckminster Fuller. Su utilitarismocontradecía los excesos del diseño pop. Liderado por arquitectos británicos como Norman Foster,Richard Rogers y Michael Hopkins, que incorporaron elementos industriales sin adornos a susedificios, se introdujo en el interiorismo de los setenta. Los interiores High – Tech empleaban equiposy accesorios utilitarios de uso industrial e institucional, como carritos, suelos de goma, lámparas depinza, estantes de cinc galvanizados y barras de andamio, y combinaciones de colores primariosinspiradas en el
De Stijl.
En Estados Unidos sus representantes fueron, Joseph Paul D’Urso y Ward Bennett, que trabajan conmateriales industriales reciclados
POSTMODERNISMO
El posmodernismo surge a la emergencia del diseño pop y antidiseño. Durante la década del sesenta,se discutía el estado de todos los ámbitos de vida, incluso del diseño moderno.
Bibliografia:
http://www.faud.unsj.edu.ar/descargas/LECTURAS/Diseno%20Industrial/OBLIGATORIA/3.pdf
DISEÑO INDUSTRIAL AÑOS 70 HASTA LA ACTUALIDAD
Las economías habían superado la devastación de la segunda guerra mundial. Surgen en esa época nuevos consumidores orientados a la busqueda de diversión. La estética del pop que privilegiaba lo desechable y lo temporal conduce a un cambio en los diseñadores, muchos de los cuales se rinden a modas pasajeras y al mercado.
A finales de los 70’ y principios de los 80’, el diseñador toma conciencia de su profesión. Mientras los arquitectos discutían la validez de un estilo, los diseñadores pensaban en la crisis del petróleo, el costo de los plásticos y el interés de la sociedad por el medioambiente. El diseño se independiza de la arquitectura y retoma su función social y su relación con la industria. Este hecho se verífica por primera vez en la exposición del grupo Memphis organizada en Milán en 1981. La primera muestra de diseño de muebles y accesorios que no contaba con el apoyo de la arquitectura. El impacto que tuvo esta muestra a nivel internacional en los diseñadores dio origen al Nuevo Diseño. Este movimiento no se orientó a las exigencias de la producción en serie, ni a la satisfacción de las necesidades humanas sino, más bien, a la expresión del espíritu de la época. Diseñaron muebles individuales y creativos, piezas únicas que se fabrican en series limitadas, casi artesanalmente, orientadas a un alto sector adquisitivo. La línea de separación entre el arte y el diseño desapareció, llegando a exponer muchos de estos objetos en galerías como si fuesen obras de arte. El lema “la forma sigue a la función” fue reemplazado por “la forma sigue a la diversión”, ahora todo era posible.
Paralelamente, el desarrollo de la microelectrónica permitió fabricar piezas tan reducidas que ya no se hacía necesario que el exterior de los objetos reflejase lo que había en su interior, ni que la forma siguiera a la función. Los microprocesadores no necesitan mostrar la técnica de construcción. La miniaturización tiende a la desmaterialización de los productos, a la preponderancia de las superficies y a que la relación entre el hombre y el objeto sea lo más importante. Las pantallas y los controles a distancia se transforman en muchos casos en la interface entre el producto y el hombre, de modo que el diseño debe contemplar no solo una buena relación entre ambos a nivel ergonómico, sino que también señalar a través de los signos el correcto uso de éstos. Se hace más importante el lenguaje que se utiliza en los productos para comunicar y relacionarse con el hombre. Se abre paso al campo semiótico del producto. El chip cambia el contexto simbólico tradicional de los productos.
El desarrollo de la semiótica y la hermenéutica han hecho su aporte en la metodología del diseño. En semiotica, Jean Baudrillard, a quién se le considera el padre de la teoría semiótica del diseño, aplicó el método semiótico estructuralista al análisis de lo cotidiano. A través de la investigación del lenguaje de los objetos determinó que todas las cosas que rodean al hombre hablan de su propietario, sus valores, deseos y esperanzas (citado por Bernhard Bürdek en “Diseño, história, teoría y práctica del diseño industrial”) En la hermenéutica, Edmund Husserl desarrolla un metodo fenomenológico para entender el ambiente vital y del hombre de manera directa y mediante una interpretación global de su entorno, como de su vida cotidiana. Este modo de entender y explicar las experiencias cotidianas a partir de un horizonte histórico determinado y limitado espacial y temporalmente se aplica como metodo de conocimiento en diseño.
En la actualidad el diseño abarca, cada día más, los diversos aspectos de la vida cotidiana y del entorno. En las últimas decadas el concepto diseño se ha extendido rápidamente, llegando a ser usado por políticos, críticos de arte, periodistas y empresarios que se han apropiado de él. Sin embargo, esta extensión del concepto y aplicación a diversas áreas del hacer del ser, a dado paso a una nueva reflexión en torno a su orientación y metodología. El diseño es una disciplina que no sólo se dedica a la configuración de formas. Al diseñar, por ejemplo, la imagen corporativa de una empresa, ya no se piensa en un lifting facial o cambio de imagen. Se persigue que la filosofía de la empresa y lo que enuncia o promete, este en concordancia con su imagen gráfica, los productos y servicios que ofrece, el atuendo de sus empleados e incluso el comportamiento y forma de hablar de éstos.
El diseño ya no se proyecta a partir de la función del objeto y de su desarrollo industrial, ni de la significación de éste, sino más bien, de nuevas relaciones que se establecen entre el ser, el objeto y su entorno inmediato. Relaciones que surgen a partir del lenguaje y de la evolución de la tecnología.
Pop, 1958-1972
Con la expansión del Pop en el arte de las décadas '50 y '60, éste empezó a manifestarse también en el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un planteamiento joven y menos grave que el "buen diseño" de los años cincuenta. El diseño Pop era muy estilizado, buscaba el efecto inmediato pero efímero, por lo que era intrínsecamente obsoleto ("úselo hoy, bótelo mañana"). Así por ejemplo, la sillas infantiles de cartón o plástico creadas en los años sesenta, eran básicamente desechables.
En la misma década, muchos diseñadores optaron por el plástico como material de trabajo, puesto que sus nuevas formas y procesos de modelado eran cada vez más habituales y baratas. Los colores chillones y las formas asociadas al arte Pop barrieron con los últimos vestigios de austeridad de la postguerra. El diseño Pop, con sus asociaciones antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado 'menos es más' del movimiento moderno y condujo directamente al diseño radical de los años setenta.
El Pop design se inspiraba en una gran variedad de fuentes (Art Nouveau, Art Déco, futurismo, surrealismo, Op Art, psicodelia, Kitsch) y recibió el estímulo del auge de los medios de comunicación globales.
El diseño Pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó algunos de los cimientos del Postmodernismo, puesto que cuestionó los preceptos del buen diseño y por tanto, del movimiento moderno.
Posmodernismo, 1978 al presente
Umeda
El posmodernismo en el diseño se remonta a la década del '60, cuando emergen el Pop, el antidiseño y las críticas de las esferas intelectuales y artísticas, sobre diversos aspectos de la Modernidad.
Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión del anterior movimiento moderno a la abstracción geométrica (que negaba el ornamento y el simbolismo) había deshumanizado al diseño, dado que en éste primaba entonces el funcionalismo y el racionalismo. En el área del diseño y la arquitectura, Robert Venturi, por ejemplo, sostenía que la arquitectura moderna carecía de sentido, ya que no poseía la complejidad e ironía que enriquecía a los edificios históricos.
A partir de mediados del '70, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron a introducir motivos decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a antiguos estilos y que solían ser irónicos en su contenido.
El grupo Memphis, integrado por diseñadores italianos militantes del diseño radical, la vanguardia y de otros equipos de diseño como Studio Alchimia, produjeron monumentales y vistosos diseños "neopop" que causaron gran sensación a nivel mundial desde 1981.
Sofá cuadrilátero
La obra de Memphis recibía una serie de influencias muy eclécticas, y con sus motivos atrevidos y formas estrafalarias, se burlaba de la noción de "buen gusto".Memphis contribuyó durante los años ochenta a la comprensión del Posmodernismo como estilo internacional, puesto que los diseños posmodernos abrazaban el pluralismo cultural de la sociedad global contemporánea y utilizaban un lenguaje simbólico concebido para trascender fronteras. Entonces, el movimiento posmoderno puede resumirse como un híbrido del diseño, dado que en el proceso de creación las formas, extraídas de su contexto temporal y concreto, se combinan al azar y hacen del diseño decoración pura, convirtiéndolo en una verdadera enciclopedia de materiales.
Memphis
Tiempo después, la recesión económica de los años noventa motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales: de este modo, las atrevidas manifestaciones del antidiseño de los años ochenta fueron sustituidas por la silenciosa pureza del minimalismo de los noventa.
http://www.portaldearte.cl/educacion/basica/7to/movimientos.htm
http://www.aparte.cl/styling.html
No hay comentarios:
Publicar un comentario